Babys heiraten Babys

Ein bewegender Abend: Das Staatstheater Darmstadt zeigt David Spencers Stück „Raum (Space)“.

Eine überdimensionale Baby-Strampeldecke in Form eines Hündchens liegt auf der Bühne der Kammerspiele im Staatstheater Darmstadt. Sie ist aus Patchwork und steht für das zusammengeflickte und chaotische Leben all derer, die auf der Decke und dem Sitzsackberg des Hundekopfs herumkrabbeln wie Kleinkinder, die nicht erwachsen werden können.

Beziehungen, Familie, soziale Zusammenhänge – all dies ist Patchwork im Leben von Dean (Stefan Schuster) und Pam (Diana Wolf), die zu Beginn des Stücks im glückseligen Stadium der ersten Verliebtheit sind. Es ist eine Liebe, von der man schnell ahnt, dass sie den Herausforderungen des Alltags kaum wird standhalten können. Denn Dean und Pam zählen zu jenen Menschen, die man aus den Doku-Soaps des Privatfernsehens kennt. Aber ihnen helfen keine Super-Nanny und kein Schuldenberater, sie müssen selbst sehen, wie sie mit dem staatlich alimentierten Leben knapp oberhalb des Existenzminimums zurechtkommen.

Bild: (c) Barbara Aumüller (FAZ)

Schlechte Voraussetzungen für ein Happy-End

Die Voraussetzungen für ein Happy-End sind denkbar schlecht. Pam hat aus einer früheren Beziehung den kleinen Gillian (Margit Schulte-Tigges spielt ihn mit beeindruckend authentischer Kindlichkeit), der sich nach einem Ersatzvater sehnt, seit sein leiblicher Vater Mike wegen Körperverletzung im Gefängnis ist. Der arbeitslose Dean, der auch schon Bekanntschaft mit dem Justizvollzug gemacht hat, schafft es mit seiner Obsession für Weltall und Himmelskörper schnell, den Jungen für sich einzunehmen.

Doch während die Beziehung zwischen den beiden immer intensiver wird, brechen die Konflikte zwischen Pam und Dean an den vorhersehbaren Sollbruchstellen auf. Mal ist es Eifersucht auf den Ex, mal sind es Geldsorgen, immer wieder sorgen auch die traurigen Nicht-Beziehungen zu den eigenen Eltern und die Traumata aus beider unglücklicher Kindheit für Streit und Zerrüttung. Deans hilflose Versuche, die manisch-depressive Pam davon zu überzeugen, alles werde gut, wenn sie nur endlich heirateten, scheitern selbst dann, als ein zweites gemeinsames Baby auf der Welt ist.

“Erwachsen wird hier niemand, manche kriegen halt ’nen Job.”

Der britische Dramatiker David Spencer hat “Raum (Space)” bereits Ende der achtziger Jahre geschrieben. Die von Martin Ratzinger einfühlsam inszenierte deutsche Erstaufführung fällt in eine Zeit, in der das Bewusstsein für die Chancenlosigkeit des sogenannten Prekariats auch in Deutschland gewachsen ist. Spencers Stück entreißt das darin um ein besseres Leben kämpfende Paar dem Verwertungs- und Entblößungszugriff der Boulevardmedien und gibt den Menschen hinter dem Klischee ihre Würde zurück. Dabei gelingt es ihm, das unheilvolle Zusammenwirken ökonomischer, sozialpsychologischer und individueller Bedingungen sichtbar zu machen.

Zur zentralen Metapher, die sich im Bühnenbild und in der Kleidung der Hauptfiguren (Micky-Maus-Shirt, Snoopy-Aufnäher auf den Jeans) manifestiert, wird die Unreife der Menschen. “Hier in der Siedlung heiraten Babys Babys, dann können sie noch mehr Babys haben”, erkennt Dean seine eigene Lage und umschreibt das Dilemma:”Erwachsen wird hier niemand, manche kriegen halt ’nen Job.” Diese Erkenntnis ist immerhin ein Anfang, und so ertappt man sich am Ende dieses gewiss nicht großen, aber bewegenden Theaterabends dabei, wie man dem Paar trotz all der Hoffnungslosigkeit ihres letzten, womöglich zur endgültigen Trennung führenden Streits die Daumen drückt, dass sie es doch noch schaffen, den Teufelskreis der Patchworkexistenz zu durchbrechen und ihre Liebe in einen erträglichen Familienalltag zu retten.

Wie fühlen sich eigentlich junge Deutsch-Russen?

“Bloß keine Panik”, sagt Nova und zittert am ganzen Leib. Gleich steckt sie ihr Neugeborenes in die Babyklappe und wird es nie mehr wiedersehen. Eine Schlüsselszene aus dem Theaterstück “Red Stars” von David Spencer, das am Mittwoch Gastspiel-Premiere im Malersaal des Schauspielhauses feierte. In die Geschichte einer deutsch-russischen Rockband verwebt sich das Schicksal der von ihrem Stiefvater geschwängerten Nova. Das überwiegend russischstämmige Publikum bejubelte das liebevoll inszenierte Stück der Jugendtheaterwerkstatt Spandau. Die Identifikation des Publikums mit dem Stoff schien groß: Im Zentrum steht die Geschichte deutsch-russischer Jugendlicher und ihr Versuch, sich einzuordnen in eine ihnen vertraute und doch fremde Welt. Unterstrichen wurde dieses Lebensgefühl durch die Live-Rockeinlagen der “Red Stars”.

Geflucht wird auf Russisch
Die JugendTheaterWerkstatt zeigt ein Stück über russische Aussiedler

Ein junges Mädchen steht mit ihrem Säugling vor einer Babyklappe, der Verzweiflung nahe und innerlich zerrissen, ob sie ihr Kind dort „hineinschmeißen” soll. Wird es weich fallen? Was ist, wenn dort schon viele andere Babys liegen?, fragt sie sich. Zeitgleich wartet die deutsch-russische Rockband „Red Stars” in einem Club auf ihren Drummer und Gitarristen. Die Aufregung ist groß, denn der Auftritt ist in wenigen Minuten und ein Manager von Universal soll heute unter den Zuschauern sein!

So beginnt das Stück Red Stars, geschrieben von dem Engländer David Spencer in Zusammenarbeit mit Volker Hartung, Dramaturg der JugendTheaterWerkstatt Spandau, und Koala Jam, einer Berliner Band, die diesen Theaterabend entscheidend prägt. Spencers Absicht war es, die Probleme von Migranten aufzugreifen: die sprachliche Barriere, das ständige Erinnertwerden, daß man eben nicht deutsch ist. „Viele Immigranten haben die verständliche Tendenz, sich zu ghettoisieren”, fügt Hartung hinzu. Um dem entgegenzuwirken, kam die Idee auf zur Zusammenarbeit mit jugendlichen russischen Aussiedlern, die in dem Stück mitspielen.

Es geht um Heimat und um die Sprache als Barriere, aber auch als verbindendes Element. Durch das Zusammentreffen der russischen Band mit der jungen Mutter Nova vor der Babyklappe werden alle Beteiligten gezwungen, sich miteinander zu beschäftigen. Die Musiker müssen deutsch sprechen, weil Nova sie sonst nicht versteht. Und Nova schreibt ihnen ein Lied auf Deutsch, ein Lied in der Sprache, die für sie genauso wie Englisch eine Fremdsprache ist.

Geflucht wird in diesem Stück ausschließlich auf Russisch. Die Russen im Publikum lachen, ich selbst verstehe nichts, doch das braucht man laut Spencer auch nicht. Es reicht, eine Stimmung aufzunehmen. Der Brückenschlag zu Nova und auch zum Publikum entsteht durch die Musik, durch schnelle Rocksongs, Balladen oder die leise musikalische Begleitung der Szenen. Musik ist eine Sprache, die verbindet. So wie die Arbeit an diesem Theaterstück verbunden hat. Es sind Freundschaften, sogar eine Liebesbeziehung entstanden.

„We’re the Red Stars, we’re gonna rock you from Moscow to the planet mars!” singen die Red Stars. Das nächste Mal rocken sie am 21. und 23. April im p14 der Volksbühne-Ost, mit etwas Glück vielleicht auch noch im Mai im HAU 3.

Ganz schön gemein
Hamburger Kritik: Neues Cinema

Das Mädchen Coco jammert und bettelt, es appelliert an die Großmut des mächtigen Waffenschiebers. Die Angst bricht ihre Standhaftigkeit. Sie krümmt sich, wiederholt winselnd immer wieder dieselben Worte in ihrer uns unverständlichen asiatischen Sprache. Der Krieg, der draußen vor der Tür herrscht, findet hier in einer stinkenden Absteige seinen niedrigsten Ausdruck. Und vielleicht sein hilflosestes Opfer. Der Waffenschieber fesselt Coco ans Bett. David Spencer, englischer Theaterautor, möchte Echtheit. Er will die Wahrheit durch ein hohes Maß an Realität in seine kleine Theaterwelt zwingen.

Damit stößt er zwangsläufig an die Grenzen dessen, was Theater leisten kann. In seinem Stück “Clämoarr/ Geschrei” versucht er das Thema “Gewalt” auf zwei verschiedenen Ebenen in den Griff zu bekommen. Der anfänglich beschriebenen Szene stellt Spencer eine auf der lokalen Ebene angesiedelten Szene voran. Hier zeigt Spencer weniger pointiert – eher dokumentarisch – die Gewalt in ihrem Ursprung: In einem Park kämpfen Jugendliche um Arbeit, Anerkennung und den nächsten Drogenrausch. Sie sind unfähig, die eigenen Existenzängste mit denen anderer zu teilen.

Letztlich geht es auch hier um den Erhalt simpler Machtstrukturen. Der Selbstjustiz übende Waffenschieber erscheint nun in der Person eines kriegsgeschädigten Spießbürgers, der mit Pitbull und Baseballschläger den “jugendlichen Unrat” aus dem Park vertreiben will. “Clämoarr” ist der Kampfruf des schwertschwingenden Jugendlichen, der den Spießerveteranen in einer finalen Sequenz zur Strecke bringen will. David Spencers Stück ist dennoch mehr als ein wütender Aufschrei. Der Autor hält sich streng an die Devise “Think global, act local”. Gleichzeitig gelingt es ihm, die Problematik höchst kunstvoll zu verdichten. Das Problem, das der ein oder andere Zuschauer an diesem Abend im Neuen Cinema mit Spencers Stück hatte, beruhte auf dessen unentschiedener Darstellungsform. Was hier im Rahmen der Lesereihe “Stück: Gut” gezeigt wurde, war mehr als eine szenische Lesung, aber eine Theateraufführung war es deshalb noch lange nicht. Es war der Versuch, ein Theaterstück zu rekonstruieren, das der Regisseur Serdal Karaca mit jugendlichen Spandauer Laienschauspielern im vergangenen Herbst in Berlin aufgeführt hatte. Ein gewagtes Experiment. In Erinnerung bleibt eine den Durchschnitt überragende schauspielerische Leistung: Sabine Dotzer beweist als Coco, das sie mehr kann, als nur sich selbst zu spielen.

.. weil niemand die Sprache des anderen spricht
Im Neuen Cinema am Steindamm: David Spencer mit einer szenischen Lesung seines Stücks “Clämoarr”

Neidvoll blickt er auf den Umgang deutschsprachiger Bühnen mit Stücken: Eine in den Sand gesetzte Inszenierung bedeutet ja noch kein Aus für ein Stück. In Großbritannien sei es dagegen schon schwierig, einen Text überhaupt nochmal aufgeführt zu bekommen. Ganz ohne Larmoyanz stellt er fest: “Deutschland ist für viele ein ökonomisches Exil.”

Am Deutschen Schauspielhaus arbeitet der 43-jährige Autor David Spencer als Projektleiter derzeit mit SchülerInnen im Projekt “Schreibtheater”. Passend dazu wird er am Sonntag sein vorletztes Werk Clämoarr/ Geschrei in der Lesereihe “Stück:Gut” präsentieren. Denn Clämoarr ist auch ein Stück über Jugendliche. Die szenische Lesung lehnt sich stark an der Uraufführung in der JugendTheaterWerkstatt Spandau im vergangenen Herbst an. Seitdem ist das Stück nicht mehr gezeigt worden. Das gesamte Amateurensemble reist zur Lesung nach Hamburg.

Der erste Teil des Stücks spielt in einem Berliner Park und erweckt eine Jugendgang zum Leben: Wenige sprechen mehr als zwei zusammenhängende Sätze, zwischen Joint, Diebesgut und Speedline bedroht und beschimpft man einander. Und, weil es die Posse ist, hält man natürlich zusammen wie Pech und Schwefel. Dass diese Parkidylle normale Spaziergänger belästige und folglich Recht und Ordnung einzukehren habe, ist die Überzeugung des rassistischen Philipp Austerlitz. Zusammen mit seinem Pitbull Satan geht der selbsternannte Polizist Streife durch den Park. Unausweichlich ist das mörderische Aufeinanderprallen der Jugendlichen und Austerlitz.

Der zweite Teil von Clämoarr zeigt, dass lokale und globale Gewalt nicht voneinander zu trennen sind: In einem fiktiven, asiatischen Land kommt es zwischen den gleichen Figuren unter anderen Namen wieder zu Krieg. Versatzstücke aus schriftlichen Übereinkünften auf weltpolitischer Ebene verleihen auch dem zweiten Teil realistisch-dokumentarischen Charakter. Verhandlungen scheitern, weil niemand die Sprache des anderen spricht. Alle reden in wildem Kauderwelsch: Eine Artikulationsweise, die David Spencer sofort zu improvisieren in der Lage ist.

Dass Sprachlosigkeit oft Ursache von Gewalt ist, weiß Spencer besser als viele andere. Wie bereits in einem Gefängnis in Manchester, arbeitet der Dramatiker auch in der JVA Tegel. “Ein eingeknasteter Mensch ist in den verschiedenen Schachteln von Cops, Psychologen und Richtern gefangen”, meint Spencer. Seine Anleitung zum kreativen Schreiben versteht er als Konfliktmanagement: “Für manche ist es schon ein Sieg, einen einzigen Satz zu schreiben.” Clämoarr erzählt eine Menge über Gewalt. Und darüber, dass sie noch nicht aufhört, wenn man mehr als einen Satz sagt. Liv Heidbüchel

Die Rehabilitation des Drastischen
Das Amateurensemble der JugendTheaterWerkstatt Spandau führt “Clämoarr” von David Spencer auf und lernt, wie man den wohl verdienten Beifall aushält beziehungsweise wie man am elegantesten von einer Bühne kommt

“Und was machen wir, wenn die immer weiter klatschen?” Das Amateurensemble der JugendTheaterWerkstatt Spandau übt gerade, wie man am elegantesten von einer Bühne kommt. “Der Mittlere drückt dem Nächsten die Hand, der dem Nächsten – dann verbeugen sich alle” lautet die Regieanweisung von Serdal Karaca. Na, das klappt doch schon ganz gut. Gar nicht zufrieden ist der Kurde mit den Gedächtnislücken seiner Jungschauspieler. Für sein Gefühl hat die Truppe bei der Generalprobe des Stücks “Clämoarr” ein wenig zu viel improvisiert. Er schwört alle darauf ein, am nächsten Tag vor der Premiere drei Stunden früher im Jugendhaus Spandau zum letzten “Training” aufzulaufen. Derweil hüpfen quietschebunte, russische Mädchen zum Aerobic durchs Foyer, vorbei an den Jungs beim Billard.

Nach den Boxing-Nights im Frühjahr ist “Clämoarr” die zweite Produktion der Spandauer in diesem Jahr. Das Stück von David Spencer, der an der Hochschule der Künste HdK szenisches Schreiben unterrichtet, ist kein eben leichter Brocken. Wort- und auch sonst gewaltig versucht Spencer einen weiten Bogen von der Spandauer Parkbank mit Graffiti bis zum Bürgerkrieg in Bosnien und anderswo. Sogar die Uno bekommt ihr Fett weg. Die Uraufführung zerfällt in zwei disparate Teile. Im ersten baden wir (die Zuschauer sitzen mitten im Raum auf Parkbänken) im mitreißenden Redefluss aus Szenejargon und Fick-Dich-Attitüde. Die Multikulti-Jugendgang vertreibt sich die Ödnis in Clämoarr (Geschrei) mit einem recht authentischen Mischmasch aus Zärtlichkeit, Brutalität und Pubertät. Mit geballter Energie werfen sie sich gegenseitig in den Dreck, wälzen sich im Rindenmulch – Gärtnerlatein für zerhäckselte Baumreste, die den Boden des Jugendhauses an eine Zirkusarena erinnern lassen. Die Kids klauen einen Laptop und diskutieren beim Joint, ob man von Speed Dünnschiss bekommt. Der Feind trägt Hundeleine. Sein Schäferhund heißt Satan.

An ihre Grenzen geraten die talentierten Nachwuchsakteure beim zweiten “Clämoarr”-Teil, der anspruchsvoll eine Analogie weltweiter Gewaltausbrüche junger Leute zu konstruieren sucht. Der Hundebesitzer, schon im ersten Teil erschlagen, muss noch einmal als Waffenhändler tot gemacht werden. Die Wiederholung ist hier nicht Farce, sondern blutrünstige, lustvolle Ausschweifung. Der Autor rehabilitiert das Drastische, als hätte er bei der “Tagesschau” jahrelang das Schlimmste rausgeschnitten. Die Zuschauer kommen sogar in den Genuss ihrer eigenen Scheinerschießung – unter Mithilfe der Uno-Friedenstruppen. Eine halbe Nummer kleiner hätte der Schuh in Spandau vielleicht doch besser gepasst.

Trotzdem sind 32.000 Mark Projektzuschuss vom Senat gut angelegt, die es vor allem deshalb gibt, weil hier so viele “Nationen” zusammenwirken. Draußen am Imbiss wird einem dann klar, was für ein Kontrastprogramm Theaterspielen in dieser öden Hochhausgegend ist. Die einen hängen rum und bauen Scheiße, die andern stellen dar, wie schlimm das enden kann. Wenn das kein Kulturfortschritt ist … Und bei reichlich Beifall lernt man auch noch perfekte Abgänge.

Radiobeitrag bei Radio MultiKulti von Ursula Voßhenrich am 13.11.2000

Martino, Bilo, Coco und die anderen lungern immer in ihrem Park herum, irgendwo in Berlin. Sie quatschen, klauen, kiffen und dealen, eine kleinkriminelle Jugendgang. Als der selbsternannte Kiezscheriff Philipp Austerlitz auftaucht, schlägt die Situation plötzlich ins Brutale um. Philipp Austerlitz, Typ rechter Schläger, will mit seinem Pitbull im Park für Sauberkeit und Ordnung sorgen. Die Situation eskaliert und endet blutig, Austerlitz wird abgestochen.

Die nächste Szene führt ein paar tausend Kilometer weiter südöstlich, in ein fiktives, asiatisches Land, indem Bürgerkrieg herrscht. Ein deutscher Waffenhändler gerät zwischen die Fronten der Parteien, an denen er bislang verdient hat, zwischen Staatsmacht und Aufständische. Auch hier sind Jugendliche an den Waffen, die Freie Volksarmee stürzt das alte System.

Welten liegen zwischen den Szenen im Berliner Park und der blutigen Revolution in Asien. Dennoch gibt es Verbindungen zwischen diesen Teilen. Die Gewalt hat ähnliche psychologische Mechanismen, sagt David Spencer, Autor des Stückes CLÄMOARR.

David Spencer:
In dem ersten Teil wird die Gewalt auch unter Jugendlichen, von diesen Jugendlichen ausgeübt und auch gegen sie. In dem Sinne sind die Systeme sehr ähnlich. Die Kinder, die Jugendlichen in beiden Teilen versuchen ihren Raum zu schützen.

David Spencer stammt aus dem nordenglischen Halifax und hat das Stück Clämoarr/Geschrei in Yorkshireakzent geschrieben. Für die Spandauer Gruppe wurde es ins Deutsche übersetzt und auf die Berliner Jugendlichen zugeschnitten. Da musste aber gar nicht viel geändert werden. Figen Türker, eine der Schauspielerinnen, ist das Lebensgefühl der Jugendlichen im Theaterstück ganz vertraut.

Figen Türker:
Dass dann einer von dem Vater geschlagen wird, oder dass mehrere von den Eltern geschlagen werden. Und überhaupt, dass es dann da so einen Chef gibt und der ist dann natürlich mit dem besten Mädchen zusammen, mit der Schönsten aller Schönsten. Das ist eigentlich typisch so, dass ist eigentlich immer so.

Die Spandauer Theatertruppe ist bunt gemischt. Die jugendlichen Schauspieler kommen aus kurdischen, türkischen, kubanischen, italienischen und deutschen Familien. Auch das passt gut zum Stück und ist eben Berliner Realität sagt der Deutsch-Italiener Manuel Abatecola, der den Anführer der Jugendgang spielt.

Manuel Abatecola:
Das ist im Endeffekt so irgendwo in der Hasenheide, da hängen dann wirklich Marokkaner, Araber, Türken, Jugoslawen, Albaner, alle zusammen in irgendeiner Clique und halten halt zusammen. Und die kämpfen dann wiederum gegen andere Schwarzköpfe, gegen andere Albaner und andere Araber und, und, und. Und da passt die Truppe wunderbar zusammen.

Clämoarr ist ein Stück über Gewalt, vor allem über das nicht mehr im Griffhaben von Gewalt, über das Zündeln, aus dem plötzlich ein Großbrand wird und es ist ein Stück über das Geschrei/Clämoarr, aus Schmerz, aber auch aus Entsetzen, dass es zum Löschen zu spät ist.

Nach ein paar Joints wird das Grinsen im Stück «Clämoarr» extrabreit

Falkenhagener Feld – Gewalt. Für viele ist das nur ein Wort, ein blutig geschlagenes Gesicht auf einem Fernsehbild, eine Messerstecherei im Polizeibericht einer Zeitung. Das muss man nicht lesen, man kann wegschauen. Und die potenzielle Gewalt, die abends an einer Spandauer Imbissbude mit einem Schlagring in der Hand spielt, blieb bei der Uraufführung des Theaterstückes «Clämoarr» von David Spencer am Sonnabend draußen. Aber von solcher Art Gewalt handelt das Stück.

Regisseur Serdal Karaça setzt sie in ihrer ganzen Härte um. Das war den etwa 60 Besuchern der Premiere im Stadtteilzentrum Klubhaus Falkenhagener Feld an der Westerwaldstraße 13 schnell klar.

In «Clämoarr», deutsch: Geschrei,
wird eineinhalb Stunden lang gedealt und gekifft, geklaut, geprügelt und gemordet. Teils wirkt das echt. Es beginnt mit einer Jugendgang in einem Spandauer Park. Die Zuschauer sind ganz nah dran. Der Raum ist komplett mit Rindenmulch und Kies ausgelegt. Eine Parkbank dazu, mehr nicht. Auf gleichen Bänken sitzen die Zuschauer an drei Seiten des Raumes, gleichsam im Bühnenbild.

Das Hasch, das die jugendlichen Schauspieler der Jugendtheaterwerkstatt Spandau rauchen, ist zu riechen. Man versteht leicht, warum Manuel Abatecola in der Rolle des Anführers Martino eben noch versuchte, sich den Frust über den Verlust seines Jobs nicht anmerken zu lassen.

Nach ein paar Joints wird sein Grinsen extrabreit. Großartig protzt und prahlt er vor seiner Bande, wie er beim Ausschenken des Kaffees für «Yuppie-Scheißer» immer langsamer wurde und dann «Zwei Schweigeminuten für Marvin Gaye» einlegte.

Diese der wenigen langen Sequenzen des Stückes wird abrupt abgebrochen durch Roland Bohr in der Rolle des Neofaschisten Philipp Austerlitz. Dem passen die kriminellen Jugendlichen im «Volkspark» nicht. Er verprügelt sie. Die Kürze dieser Szenen unterstreicht seine Brutalität. Manchmal läuft der Kampf zwischen Bohr und Abatecola wie in Zeitlupe ab. Abrupt wechselt diese in Echtzeit. Bohr wirft Abatecola brutal und blitzschnell zu Boden, dass Rindenmulch aus dem Bühnenbild auf die Zuschauer spritzt.

Schlag auf Schlag verkörpern die Schauspieler die Absicht des Stückes, dass Gewalttaten auf denjenigen zurückfallen, der sie ursprünglich begangen hat. So ist es konsequent, dass Philipp Austerlitz am Ende des ersten Akts per Samurai-Schwert andeutungsweise von den Jugendlichen geköpft wird.

Deswegen ist der Zuschauer zunächst verwirrt, als Bohr zu Beginn des zweiten Teils unverletzt auftaucht. Zwar rückt das Geschehen – Bürgerkrieg in einem fiktiven asiatischen Land – auch durch das Bühnenbild auf der Empore des Raumes – räumlich vom Zuschauer ab. Aber der Zuschauer benötigt eine Weile, um sich vom Spandauer Park in das Zimmer des deutschen Waffenhändlers Klaus Dieter Kaufmann (gespielt von Bohr) umzustellen. Die unterschiedlichen Ausprägungen von Gewalt beider Teile stehen gleichberechtigt nebeneinander. Aber warum sie in dem Theaterstück miteinander verbunden werden, erschließt sich dem Zuschauer nicht. Das vermag auch der dritte Akt, als UN-Soldaten die Macht in dem Spandauer Park übernehmen, nicht. Trotz aller Mühe der Schauspieler ist es fürs Publikum schwieirig, der Handlung zu folgen.

Stehlen, kiffen, pöbeln – Szenen aus dem Alltag von Jugendlichen
Jugendtheaterwerkstatt Spandau präsentiert neues Stück «Clämoarr!»

Falkenhagener Feld – Grell scheint das Licht in den Park. Ein Mädchen sitzt auf einer Bank. Zwei angetrunkene Jungs kommen vorbei. «Geile Titten», pöbelt einer der beiden, Micha, das Mädchen Chrissy an. «Verpiss dich», knurrt sie. Micha lässt die Rüpelei nicht. Chrissy sprüht ihm Tränengas in die Augen. Dann geht sie auf Willy, Michas Kumpel, los. Nimmt ihm die Sporttasche weg. Willy wird zornig. Er wirft Chrissy zu Boden. Eine kleine Prügelei beginnt.

Der Park ist in Wirklichkeit ein Probenraum im Jugendfreizeitheim Klubhaus an der Westerwaldstraße. Die Gewalttätigkeiten zwischen den Jugendlichen sind gespielt. Die Szene stammt aus dem Dreiakter «Clämoarr!» von David Spencer, einer neuen Produktion der Jugendtheaterwerkstatt Spandau.

Christine Siemund und Figen Türker gehören zu den sieben Darstellern, mit denen Regisseur Serdal Karaça derzeit für Aufführungen von «Clämoarr!» probt. Thema des Stückes sind verschiedene Formen von Gewalt. Karaça hat es gewählt, «weil mir gefällt, dass Täter und Opfer nicht auf einzelne Personen festgelegt sind». Wichtig sei, dass die Gewalttat immer wieder auf denjenigen zurückwirke, der sie ursprünglich verübt hat. Das hat Regisseur Karaça bereits an seinem Regiedebüt «Wilde Hunde» umgesetzt, einer Adaption von Quentin Tarantinos Film «Reservoir Dogs».

Der erste Teil von «Clämoarr!» handelt von einer erfundenen Jugendgang. Eine solche könnte sich in Wirklichkeit aber in jedem Spandauer Park treffen. Denn um die Treffs von Spandauer Jugendlichen näher kennen zu lernen und im Stück umzusetzen, haben sich Karaça und Dramaturg Volker Hornung mit Polizisten des Fachkommissariats Jugendgruppengewalt unterhalten. Solche Informationen haben die Theaterleute für «Clämoarr!» übernommen. Sie schildern den Alltag der Jugendlichen wie eine scheinbar ewige Wiederholung aus stehlen, kiffen, pöbeln, Frust und Lust.

Das wird durch den Neofaschisten Philipp Austerlitz gestört, gespielt von Roland Bohr, dem einzigen Berufsschauspieler in dieser Inszenierung. Der zweite Akt spielt in einem fiktiven asiatischen, vom Bürgerkrieg zerrissenen Land. Im dritten Teil sollen die beiden vorangegangenen miteinander verbunden werden.

Autor Spencer hat das Stück im Original «Clamor», deutsch: Geschrei, genannt. Daraus wurde für die Produktion der Jugendtheaterwerkstatt «Clämoarr!» Dramaturg Hornung, der das Stück aus dem Englischen übersetzt hat, weiß, warum der Originaltitel verändert wurde: «Der Zuschauer soll Clamor nicht mit Glamour verwechseln.» Die Besucher können sich bei der Premiere am Sonnabend, dem 11. November, um 20 Uhr im Klubhaus, Westerwaldstraße 13, davon überzeugen.

David Spencer’s Killing the Cat explores the repercussions for a working-class family
when the son writes a novel exposing his father’s sexual abuse of his daughter. It is
Spencer’s second winner of the Verity Bargate Award for new writers and an exceptional piece – dense, demanding and boldly conceived, and here given a searing production by Sue Dunderdale and a superb cast.

Danny (Sean Bean at his most transfixing) and his sister Sheilagh (played with raw
emotion by Sally Rogers) hate their father, Sam, for what he has done to Sheilagh; but they love him because he is their father. Spencer allows his characters and their
relationships to be infinitely complex, riddled with plausible ambiguities and
contradictory emotions, and as a result they are frighteningly real. It’s the
children’s inability (or perhaps determined refusal) to hate their father that
suspends our moral judgement of him. A scene in which Sam sits mindlessly watching a train set go round and round provides one of many details through which Spencer invites our sympathy for him – his childhood in an orphanage, the hatred Irish immigrants face, his wife’s coldness. Alan Devlin gives a superlatively horrible performance as Sam, proud, pugnacious and pissed, unquestioningly sentimental about his kids and himself and stone-deaf to criticism.

With almost cinematic fluency, the play slips backwards and forwards in time and place. The clever, gentle child (Dominic Kinnaird) who hero-worshipped his father is seen in sharp juxtaposition with the cynical adult he has become, a writer full of rage on behalf of his sister. The catharsis he experiences in writing about the abuse
(”I was born with too many feelings. If I didn’t find anywhere to put them, I’d
die of them”) is for Sheilagh a second invasion , which raises pertinent questions
about a writer’s right to feed on other people’s lives.

It is hard to pin down the narrative any more precisely than the play’s oblique title.
This might refer to a flashback scene in which a pet cat has been run over and Sam
puts it out of its misery, an act that always haunted Danny. Or it might refer to
the fact that Danny could wreak vengeance on his father by killing the cat Sam is
besotted with. But the validity of each individual’s version of reality and the
inevitably imperfect understanding of another’s point of view are exactly those
areas that Spencer is exploring. The imaginative power of his play lies in its
insistence that we pay attention.